Seine Leinwände erzählten häufig die Geschichten, die er in Worten nicht ausdrücken konnte. Doch bevor van Gogh bildender Künstler wurde, widmete er sich dem Schreiben und schuf literarische Bilder in seinen Briefen: Er setzt sich mit Kunstwerken und Landschaften auseinander, die er lebendig vor Augen führt. Die Korrespondenz von van Gogh verrät, dass er während seines Theologiestudiums in Amsterdam, nicht davon ablassen konnte, beim Schreiben ab und an eine kleine Zeichnung zu machen.

Die Briefe sagen alles
Sein Bruder Theo und der Maler Émile Bernard erkannten schon zu an Gogh Lebzeiten die Bedeutung der Briefe und setzten sich nach seinem Tod für eine Edition ein. Die neunhundert Briefe zeugen von einem überaus kultivierten Geist. Auf die Leinwand kristallisierte sich seine Genialität, weil er beim Schreiben die Fülle seiner Gedanken sortierte. Diese Gedankensondierung diente auch dazu, den Kopf für das Malen frei zu bekommen – er musste sich die ausdrucksvollen Gedankenströme nicht merken, da sie auf Papier notiert waren. Der Schriftwechsel zwischen Émile Bernard und Vincent van Gogh gehört zu den wichtigsten Quellen der modernen Kunstgeschichte. Es gab nichts Eindringlicheres als seine Briefe, behauptete der Malerfreund. Er wusste schon damals, dass die Briefe die Genialität der Werke der Öffentlichkeit noch näher bringen würden.

Leider fixiert sich Hollywood allzu häufig auf den biographischen Leidensweg des wahnsinnigen Genies als auf die Genialität seiner Schriftstücke und Werke, die eng miteinander verknüpft sind. Man kann von Glück reden, dass das Van Gogh Museum in Amsterdam in fünfzehnjähriger Zusammenarbeit mit dem Huygens-Institut die Gedanken von Émile Bernard aufgriff: Eine sechsbändige, dreisprachige Ausgabe der Briefe wurde im Museum und im Internet unter vorbildlicher Darbietung kostenlos der breiten Öffentlichkeit zugänglich gemacht.

Das Bild „Iwan der Schreckliche“, das zwischen 1870 und 1873 entstand ist wohl die intensivste Darstellung der Gefühlswelt. Es zeigt den entsetzten Iwan, der seinen tödlich verwundeten, fast leblosen Sohn umklammert. Kurz zuvor hatte er ihn in Raserei darüber, dass dessen Gemahlin zu leicht bekleidet war, verwundet.

Das Gemälde „Kreuzprozession im Gouvernement Kursk“ gilt oft als Grundvorlage des russischen Nationalstils. Die Darstellung der verschiedene Klassen und Bevölkerungsgruppen ruft eine starke Spannung hervor. Diese wird durch die Gesellschaft vereinende, religiöse Handlung in der gleichmäßigen Prozession wiederum aufgehoben.

Wirkung Repins auf die Gesellschaft

Durch diese Themen und Methoden hob sich Repin vom akademischen Formalismus ab und traf den Nerv der Zeit. Repin, der 1844 geboren wurde, erlebte den Ersten Weltkrieg und die Gründung der Sowjetunion mit und war in dieser ein immer noch hoch angesehener Künstler. Repin gilt als Vorbild für den sozialen Realismus, die dominierende Kunstform im sowjetischen Kommunismus, die sich allerdings auch den Vorwurf gefallen lassen muss, propagandistisch zu sein. So wurde nicht nur die handwerkliche Meisterschaft Repins durch den sozialen Realismus niemals erreicht, auch entfaltete sie nie ein entsprechendes kritisches Potential.

Berühmte Künstler, die sich vom Realismus im 20. Jahrhundert weiterentwickelt hatten, lernten ihr Handwerk bei Repin, so auch Marianne von Werefkin. Seit den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts setzte sich die russische Kultur immer stärker mit Repin auseinander, so dass sich in den 30er Jahren regelrecht eine Repin-Bewegung entwickelte. Aber auch heute ist Repin immer noch gefragt.

Es gibt unterschiedlichste Möglichkeiten, Graffitis zu erstellen. Sie können eher schriftbasiert sein oder aus komplexen bildlichen Motiven bestehen, es können Schablonen (sogenannte Stencils) verwendet werden, mit denen Graffiti lernen besonders einfach geht und Graffitis auch an schweren oder vielbesuchten Orten schnell angebracht werden können. Zu Graffitis zählen sogar Techniken, in denen Kratzer oder Verätzungen auf Plastik und Glas zur Anwendung kommen. Auf diese Weise soll eine längere Haltbarkeit gewährleistet werden, wenn auch auf Kosten der künstlerischen Mittel. Teuer können Graffitis auf jeden Fall werden, aber stimmt es auch, dass Graffiti Kunst ist?

Der künstlerische Ausdruck bleibt dennoch ein wichtiger Aspekt bei Graffitis. In der Hip-Hop-Kultur ist das Writing neben Break-Dancing, Rapping und DJ’ing eines der vier Elemente, die diese Bewegung ausmachen. Im Vordergrund steht hier die Idee, gewaltfrei einen Wettstreit auszutragen, in dem die künstlerischen Fähigkeiten zu Prestige führen. Eine andere Seite sind Graffitis von Gangs oder organisierten Fanclubs (sogenannten Ultras), die die Zugehörigkeit zu einer Gemeinschaft und oft auch ein Revier markieren sollen. Hier tritt der künstlerische Aspekt zurück.

Kunst und Gesellschaftskritik
Andere Bereiche treiben die künstlerischen Ansätze weiter und verbinden sie mit Gesellschaftskritik. StreetArt gehört dazu. Sie ist teilweise schwer von dem Writing abzugrenzen, zeichnet sich aber generell durch den eher bildlichen Stil aus. Eine Form von StreetArt ist Adbusting, hier werden Werbebotschaften und Logos im öffentlichen Raum und in sozialen Netzwerken verändert um andere Aussagen zu schaffen. Auf Wahlplakaten abgebildeten Politikern Hörner oder Bärtchen anzumalen ist nur die leichteste Übung, die gekonnt zu einer Kunst veredelt werden kann. Eine kritische, aber auch ironische und unterhaltsame Auseinandersetzung zeichnet diese Spielarten aus.

Es ist allerdings nicht der Fall, dass nur die neuesten Entwicklungen der StreetArt politisch sind, Graffitti hatte schon immer diese Dimension. Selbst die Markierung des öffentlichen Raumes hat eine politische Dimension. Sie ist vergleichbar mit Demonstrationen. Beide Formen sind Möglichkeiten, Präsenz zu zeigen.

Die Schwarz-Weiß-Fotografie stellt heutzutage ein spezielles Genre der Fotografie dar. Die resultierenden Bilder beinhalten keinerlei Farbnuancen, sondern werden in reinen Graustufen von schwarz bis weiß abgebildet. War die Schwarz-Weiß-Fotografie seid Entstehung der Fotografie das einzig Machbare, so ist sie gegenwärtig eine hauptsächlich künstlerische Ausdrucksart.

Wie jede andere Sache, welche von Menschen gemacht ist, ist auch ein gutes Schwarz-Weiß-Foto nur so gut wie der Mensch dahinter, also der Fotograf. Der Fotograf sollte in der Lage sein, seine Emotionen und Stimmungen in das Bild hinein zu bringen. Dies zeichnet gerade eine Schwarz-Weiß-Fotografie aus. Sie spricht uns auf der Gefühlsebene an.

Technische Aspekte
Zur analogen Erstellung von Schwarz-Weiß-Fotos ist, im Gegensatz zur digital Fotografie, ein tief greifender Kenntnisstand erforderlich, da eine Nachbereitung der Bilder kaum, oder nur durch aufwendige Verfahren bei der Entwicklung möglich ist.
Daher stehen verschiedene Ausrüstungsgegenstände zur Verfügung, die während der Aufnahme bereits auf die Bildwerte Einfluss nehmen.

Zuerst sind spezielle Filme die rein für die Schwarz-Weiß-Bildaufnahme hergestellt sind erhältlich. Weiter ist durch den Einsatz diverser Objektive, welche sich unterschiedlich auf die Lichtstreuung auswirken, eine veränderte Bildgestaltung möglich.

Farbfilter sorgen bei der Aufnahme für eine divergente Graustufenwahrnehmung. Die Komplementärfarbe, also gegenüberliegende Farbe im Farbkreis wird dabei abgedunkelt. Der Grünfilter findet hauptsächlich Anwendung bei der Landschaftsfotografie und sorgt bei Grüntönen für eine bessere Graustufenunterscheidung und dunkelt Rottöne ab. Für eine kontrastreiche Darstellung von Himmel- und Wolkenspielen sorgt der Gelbfilter. Er dunkelt Blautöne ab und wird auch als Universalfilter gebraucht. Der Rotfilter dunkelt viele Bereiche eines Bildes ab und eignet sich eher für überbelichtete Bilder mit wenig Schatten.

Bei der digitalen Fotografie wird häufig ein farbiges Bild am PC nachbereitet und mit speziellen Bildbearbeitungsprogrammen in Graustufen umgewandelt. Wer von seinen digitalen Schätzen ein günstiges Fotobuch erstellen will sollte hier klicken. Durch verschiedenste zur Verfügung stehenden Tools und Regler ist dieses Verfahren sehr einfach und zeigt das Resultat direkt nach wenigen Mausklicks.

Werefkin wuchs im russischen Zarenreich auf. Sie wurde 1860 in Tula, Russland, geboren. Aufgrund ihrer privilegierten Herkunft konnte ihr früh erkanntes Talent ausgiebig gefördert werden. Im Alter von 20 Jahren wurde sie von Ilja Repin, dem bedeutendsten russischen Maler seiner Zeit, unterrichtet. Drei Jahre später studierte sie in Moskau Malerei, bei Illarion Michailowitsch Prjanischnikow und Wladimir Sergejewitsch Solowjow. In dieser Zeit entstanden die bedeutenden Werke Werefkins aus ihrer sogenannten ersten, realistischen Phase und Werefkin wurde als der „russische Rembrandt“ bekannt. Beendet wurde die Phase durch einen Jagdunfall, bei dem sich Werefkin in die Hand schoss und den Mittelfinger ihrer Malerhand verlor.

Aus einer kurzen, impressionistischen Phase osteuropäischer Couleur ab 1880, in der sie sich der Freilichtmalerei widmete, sind kaum Werke überliefert. Nach dem Tod ihres Vaters zog sie mittels einer soliden Rente 1896 nach Deutschland. Dort gründete die selbstbewusste Frau ihren „rosafarbenen Salon“ und unterbrach ihre künstlerische Tätigkeit für zehn Jahre, um ihren Freund, Alexej Jawlensky zu unterrichten. Nach diesen zehn Jahren, 1906, unternahm sie eine Reise nach Frankreich. Dort entwickelte sie ab 1907 ihren expressionistischen Stil, der an Van Gogh, Gaugin, Anquetin und Toulouse-Lautrec angelehnt war und sich u.a. mit dem Japonismus auseinander setzte. Diese Entwicklungen waren so einschneidend, dass Werefkin in ihrem Freundeskreis fortan „die Französin“ genannt wurde.

Bevor sie beim Ausbruch des ersten Weltkrieges Deutschland in Richtung Schweiz verlassen musste, veröffentlichte sie 1913 unter anderen auch bei einer Ausstellungen des blauen Reiters. Nachdem sie nach dem Krieg ihre zaristische Pension verlor, lebte sie vom Verkauf ihrer Werke.

Ihr Alterswerk ist gegenüber den Werken vor dem Ersten Weltkrieg erzählerischer und weniger auf Schockeffekte bedacht. So ist es auch kein Wunder, dass sich Schriftsteller zunehmend für ihr Werk interessierten. Heutzutage wird Werefkin durch einen eigenen Preis anerkannt, der seit 1990 sieben Mal verliehen wurde.

Ein Beispiel ist die Lebensmittelindustrie. Die Nahrungsmittelversorgung ist ein Kriterium für den Reichtum eines Landes. In den kapitalistischen Industrienationen werden aus diesem Grund Nahrungsmittel im Überfluss hergestellt. Ein Großteil wird nicht gegessen, ein anderer Teil in ärmere Staaten exportiert. Die Lebensmittelindustrie ist so prägend für unsere moderne Lebensweise, wie ihre Produktion unsichtbar ist. Bauernhöfe und das urbane Leben schließen sich aus. Aufgrund des mangelnden Kontaktes ist vielen wohl nicht bekannt, dass Bauernhöfe keine Horte der Natürlichkeit sind. Sie sind längst biomechanische Produktionsstätten geworden, stählerne Industrieanlage, in denen bisweilen Gentechnologie zum Einsatz kommt. Eine solche Beschreibung erinnert mehr an die futuristischen, verstörenden Welten und Motive des Alien-Erschaffers Hansruedi Giger. Doch eigentlich sind moderne Bauernhöfe die Symbole unserer Gesellschaft, viel mehr als die Wolkenkratzer unserer Metropolen. Und bezeichnend für unsere Kultur ist, dass ihre schockierenden Pfeiler im Normalfall unsichtbar sind – anders als die Wolkenkratzer.

Michael Schmidt zeigt diese Widersprüchlichkeiten in seinen Bildern auf. In Zeiten in denen unser Blick auf Nahrungsmittel hauptsächlich durch die Bilder der Werbeindustrie geprägt ist, in denen sie gekonnt ausgeleuchtet und appetitlich präsentiert werden, wirken Schmidts Schwarzweiß-Fotografien seltsam verstörend. Im Normalfall stellen wir uns nur Gammelfleisch als graue Masse vor. Vermutlich würde es die meisten kaum verwundern, wenn die Lebensmittelindustrie Farbzusätze verwenden würde.  Interessant ist, dass ein künstliches Auge notwendig ist, um die Künstlichkeit unserer Welt heutzutage darzustellen.

Die aktuelle Ausstellung fing gestern an und läuft noch bis zum 13. Mai im Musem Morsbroich in Leverkusen.

Das heißt, dass fortschrittliche Technologien die Möglichkeiten dieser noch jungen Kunstform ständig erweitern. Ein Beispiel: Während Grafikprogramme in den neunziger Jahren noch in den Kinderschuhen steckten, können heutzutage Bilder ‘gemalt’ werden, denen es nicht mehr anzusehen ist, dass sie aus dem Computer stammen. Derzeit ist die 3D Technik in aller Munde: Mit der Darstellung von dreidimensinalen Räumen und Objekten befasst sich die GFX Kunst. ‘GFX’ steht für Graphical Effects und wird hauptsächlich im Bereich von Spielegrafik verwendet. Digital interessierte Künstler entdeckten dann die Möglichkeiten von komplexer Software und wendeten sie auf die Erzeugung künstlerischer, virtueller Objekte an.

Doch ebenso im Bereich zweidimensionaler Darstellung werden oft Computer eingesetzt. Auch Projektionen, die mithilfe von Lasern ein Bild an eine Fläche werfen, gehören dazu. Jedoch muss zwischen dem Computer als bloßes Hilfsmittel und einem elektronischen Medium als solches unterschieden werden. Im ersten Fall werden digitale Medien als Werkzeug oder Hilfsmittel gebraucht. Im zweiten Fall sind digitale Medien das künstlerische Objekt, also die Kunst selbst.

Die Möglichkeiten digitaler Kunst sind enorm: Ob Software, Hardware, Robotik, Lasertechnik oder LED-Technologie – Digitale Kunst bestimmt die Methoden, wie Kunst zu Stande kommen kann, neu. Und manchmal ist die Technologie das Kunstobjekt: Ein Programm beispielsweise, dass von einem Menschen geschrieben wird, kann durchaus ästhetischen Gesichtspunkten folgen. Die eigentlichen Funktionen des Programms stehn dann nicht mehr im Vordergrund. Die Ästhetik des Quellcodes, das sind die Zeichen, die die Zeilen füllen, löst den funktionalen Aspekt des Programms ab. Das gleiche Prinzip ist auf elektronische Musik anwendbar: Hier kann die Komposition ästhetische sein, jedoch wird der Computer in diesem Fall als Werkzeug benutzt.

Geburt, Kunststudium und Blauer Reiter
Ernst Paul Klee wurde im Dezember 1879 in Münchenbuchsee in der Schweiz geboren. Als Sohn eines Musiklehrers und einer Sängerin konnte Klee von Kindesbeinen auf seine musikalischen Fähigkeiten entwickeln, was zeitlebens ein wichtiger Einfluss für seine künstlerische Arbeit haben sollte. Neben seinem außerordentlichen musikalischen Talent entdeckte er früh seine Leidenschaft für das Zeichnen, was frühe Zeugnisse in Schulheften belegen können. Nach Abschluss seiner Schulausbildung am Literargymnasium in Bern wechselte er gegen den Willen seiner Eltern nach München über, um dort Kunst zu studieren. Dort schloss er nach einiger Zeit Freundschaften und knüpfte Kontakte zu Künstlern und Kunstkritikern und wurde schließlich Mitglied der Künstlergemeinschaft des Blauen Reiter.

Paul Klee als Landsturmsoldat im Ersten Weltkrieg
Zur gleichen Zeit lernt er während einer Parisreise die Werke von Pablo Picasso, Georges Braque und Henri Matisse kennen. 1916 wurde Paul Klee als Sohn eines deutschen Vaters als Landsturmsoldat an während des 1. Weltkrieges einberufen, allerdings bleibt er nach seiner Grundausbildung vom Fronteinsatz verschont und arbeitet stattdessen als Kassenwart in der Kaserne der Bayrischen Fliegerschule. Im Jahre 1920 findet eine erste Einzelausstellung mit Werken Paul Klees in der Galerie Glotz in München statt. Noch im selben Jahr wird er von Walter Gropius als Dozent an das stattliche Bauhaus nach Weimar berufen. Er leitet dort den Vorkurs, die Buchbinderwerkstatt und ist für den Bereich der Glasmalerei zuständig.

Emigration und Tod
Als 1928 Walter Gropius aufgrund von Meinungsverschiedenheiten zurücktritt, folgt Klee ihm und wird anschließend Professor an der Düsseldorfer Kunstakademie. 1933 wird er von den Nazis als entarteter Künstler beschimpft und entlassen und emigriert so mit seiner Frau zurück in die Schweiz. Alle seine Werke werden aus den deutschen Museen entfernt. Paul Klee stirbt 1940 an Sklerodermie während eines Kuraufenthaltes in Locarno-Muralto in der Schweiz.

Paul Klee war Zeit seines Lebens ein künstlerischer Einzelgänger, auch wenn er zeitgenössische künstlerische Entwicklungen aufgriff und weiterentwickelte. Wie auch Joan Miró und Pablo Picasso übersetzt er Motive des kindlich-naiven Zeichnens und der primitiven Kunst der Naturvölker in eine eigenständige Bildsprache. Inhaltlich finden sich in seinen Werken viele Anspielungen auf die Musik und Dichtung, ebenso tauchen oft Motive des Traumes auf.

Performance Kunst zielt oft darauf ab, auf gesellschaftliche Missstände, heikle Themen oder auch nur auf die Kunstform selbst aufmerksam zu machen. Zudem ist sie selten zeitlich organisiert oder in ihrem Ablauf fest bestimmt. Vielmehr ist sie angelegt wie ein Experiment, dass sich im Laufe der Performance entwickelt und insofern ein starkes kreatives Element beinhaltet. Das Festhalten der Darstellung mit filmischen oder fotografischen Mitteln gehört häufig zum Experiment. Die dadurch entstehende Aufmerksamkeit ist wichtig für die Performance Kunst: Ohne einen Zuschauer kommt sie nicht aus. Zudem wird auf diese Weise eine Botschaft transportiert und dafür benötigt man nun mal einen Empfänger.

Die Ursprünge der Performance Kunst liegen in den 60er Jahren. Die 68er Bewegung hat sich oft mit solchen einzigartigen Aktionen Gehör verschafft. Das Herunterreißen von BH’s, um auf festgelegte Geschlechterrollen hinzuweisen, kann durchaus als Performance-Act gesehen werden. Aber nicht immer sollten gesellschaftliche oder politische Missstände angeprangert werden, mitunter sollten die Grenzen zwischen unterschiedlichen Kunstformen und der Wissenschaft aufgespalten werden.

Wie so oft richtet sich eine neue Kunstform, in diesem Fall die Aktionskunst, gegen alte, tradierte Formen, die aus avantgardistischer Sicht nicht zur Entwicklung der Kunst beitragen. Performance Kunst hat also auch emanzipatorische Elemente und steht symbolisch für die Überschreitung von Grenzen und das Abstreifen alter, staubiger Konventionen. Allerdings bleibt dann  Zuschauer völlig im Dunkeln, was die Motive der Performance oder des Künstlers angeht. Performance Kunst sollte also nicht Selbstzweck sein, sondern eher interaktiv organisiert werden.

Künstlerische Weiterentwicklung
Während der Zeit in Murnau arbeiteten beide Künstler mit Marianne von Werefkin und Alexej Jawlensky zusammen. Es fand eine Entwicklung hin zum expressionistischen Malen statt. Auch die Begegnung mit Rudolf Steiner beeinflusste das Wirken von Kandinsky nachhaltig. Das Wirken Kandinskys und auch Münters zu dieser Zeit kann noch heute an den Tischdecken im Münter-Haus beobachtet werden, die von beiden bunt gestaltet wurden. Später fand die Gründung der Neuen Künstlervereinigung München (N.K.V.M.) statt, der Kandinsky zunächst nicht angehörte, der er aber später beitrat. Allerdings verließ Kandinsky die N.K.V.M. später nicht im Guten, da er sich nicht an deren Regeln hielt. Er hatte den Eindruck, seine Kunst würde von den Kollegen missachtet, und bereitete wissentlich einen Eklat vor, der schließlich dazu führte, dass er, Münter und auch Franz Marc aus der Gesellschaft austraten. Im Gegenzug gründeten sie darauf die Redaktion „Blauer Reiter“, die ab diesem Zeitpunkt Ausstellungen zunächst in München, dann aber auch in anderen deutschen und europäischen Städten vorbereitete.

Das Münter-Haus
Heute erinnert das Münter-Haus in Murnau an die Tätigkeit Kandinskys und Münters. Darin finden sich Originale von Wassily Kandinsky und Gabriele Münter. Sehenswert sind die verschiedenen Möbelstücke, die die beiden bunt bemalt haben. Auch die Vorhänge des heutigen Museums sind wie die Tischdecken bunt bemalt und geben einen Eindruck vom Schaffen der beiden Künstler, die das Haus über mehrere Jahre bewohnten.